Hôtel Le Crans

Untitled (Morphological)
2014
Silver painted bronze
60 x 72 x 42 cm
Courtesy of WK Archipel Collection

Hôtel Le Crans

Jean-Luc Moulène
Bubuglu
2016
Bronze
Courtesy of WK Archipel Collection

Hôtel Royal

Mark Dion
Table of Confectionery,
Wonders of Palace
2019
Wood and acrilyc
variable dimensions
Courtesy Fondation pour les Art Visuels

Hôtel Crans Ambassador

Vincent Olinet
Rouge
2019
Glossy paint and glitter on wood
Variable dimensions
Courtesy of WK Archipel Collection

Hôtel Crans Ambassador

Couple
1986
Limestone
Private collection, Switzerland

Hôtel Crans Ambassador

Los Carpinteros
Clavos Torcidos. Grupo I
(Twisted Nails. Group I)
2013
Metal
143 x 110 x 50 cm

Hôtel Crans Ambassador

Valentin Carron
Untitled
2018
Acrylic on wood
106 x 96 cm
Private collection, Switzerland

Hôtel Guarda Golf

Wim Delvoye
Caterpillar
2004
Stainless steel
83 x 148 x 49 cm
Courtesy of the artist and Wilde

Hôtel Guarda Golf

John Armleder
Juste
2019
Bronze
50 cm (d)
Courtesy of the artist

*1948, CH

HEAD 3
2013
175 x 130 x 120 cm
PVD-coated stainless steel
Courtesy of WILDE

*1925, Greece

Signal éolien
2006
Iron, steel, resin and lacquer
500 x 384 x 100 cm
Courtesy of Xippas gallery

En proposant des œuvres monumentales animées par la force aléatoire du vent, Takis poursuit une expérimentation qui lui est chère. Takis a souvent dit qu’il produisait des sculptures et des œuvres d’art non pour encombrer l’espace mais pour qu’apparaissent les éléments de l’invisible.
Ainsi la lumière, les forces magnétiques, le son a habité́ depuis toujours son œuvre participant au mouvement pourvu qu’il soit aléatoire. Les (…) éoliennes (…) captent les courants invisibles de l’air montrent matériellement la complexité́ de ces flux et organisent le frôlement sensuel de sphères et de panneaux qui tendent les uns vers les autres leurs formes et leurs champs colorés.

*1973, Germany

Mistral Boys
Sandstone
230 x 80 x 65 cm
Courtesy of Semiose, Paris

*1955, Argentina

Mirador Cologny I
Mirador Cologny II
2022
Painted steel
580 x 60 x 200 cm (each)
Courtesy of Xippas gallery

Sculpteur et designer né en Argentine, Pablo Reinoso est connu pour ses « Bancs Spaghetti ». Avec cette série, il réinvente l’objet quotidien avec un humour et une apparente légèreté qui cachent une position éthique quant  au respect de la nature et de ses matériaux.
La maîtrise du lieu par sa création d’installations et de sculptures est au centre d’une démarche à la fois ludique et profonde sur notre perception du monde, du paysage et de l’espace qui nous entoure. Inscrit dans une logique du déploiement et de croissance, le travail de Pablo Reinoso trouve de plus en plus sa voie dans la monumentalité tout en conservant toujours son rapport à l’échelle humaine.

Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions collectives et personnelles comme à la Biennal à Venise, au Malba de Buenos Aires et au Macro de Rosario en Argentine, au Centre Pompidou à Paris, au Museum of Arts and Design à New York et aux Musées d’Art Moderne de Sao Paulo, Bahia et Mexico.

*1992, CH

Caesarina
2022
Sandstone
Steel, silver, bronze, powder coating, concrete pedestal
156 x 90 x 50 cm
Courtesy of the artist

La pratique artistique de Mathias Pfund compose des fictions et recourt à diverses stratégies d’appropriation. Par la reproduction, il s’intéresse notamment à la représentation de l’art et aux diverses valeurs et idéologies qui le sous-tendent. Cæsarina est un trône dédié à « César », sa grand-mère d’origine italienne, voisine de la Villa La Grange depuis plus de 50 ans. Il s’agit d’une chaise curule hybridée avec une couronne de laurier, charriant diverses symboliques : celles du pouvoir (patriarcal) dans la Rome antique, de l’Imperator victorieux chez les Romains ou des poètes chez les Grecs. En outre, l’assise est ornée de trois médailles explorant chacune, sur un mode indiciel, diverses narrations en lien avec une antiquité européenne spécieuse. Parodie d’un langage autoritaire, l’œuvre reste néanmoins un élément de mobilier urbain, permettant à quiconque de s’y asseoir. Pour plus d’informations, un cartel développé est disponible à l’adresse 57 route de Frontene

*1985, France

Cracked Head #4 Yindi
2020
Red Clay, recycled concrete
130 x 90 x 95 cm
Courtesy of the artist and TEMPLON

*1961, France

Cervidé (grand rectangle)
2013
concrete reinforcement steel
280 x 176 x 210 cm
Courtesy of the artist and lange + pult

Didier Marcel développe un travail de sculpture dans lequel cohabitent des objets et des constructions tirés du réel, qu’il reproduit le plus souvent à échelle réduite ou dans d’autres matières. S’appropriant des formes issues de l’architecture, de l’habitat ou de l’outillage, ainsi que des éléments naturels tels que des arbres ou des bottes de paille, il leur confère une nouvelle existence, autonome, en dehors de toute fonctionnalité.

Ces sculptures conçues pour un parc explorent la figure animale en combinant la structure schématique de la table et de l’arbuste.
Le vocable végétal ne manque pas de synonymes pour désigner les bois, appelés également ramures, arborés fièrement par les grands cerfs des forêts d’Europe.
Les quadrupèdes sont réalisées en acier de forte section (18 mm) utilisé essentiellement pour les armatures des ouvrages en béton.
Le matériau non protégé s’oxyde pour revêtir une très belle teinte d’un brun orangé qui rappelle le fauve du pelage des cervidés. La texturation crénelée des barres d’acier accentue la similitude avec le végétal.
La simplicité des figures affirme une ébouriffante trivialité par la mise en évidence de deux éternels antagonismes : figuration, abstraction.
Inclination au passage pour les frères Giacometti, les silhouettes tendues d’Alberto et le mobilier à figures animales de Diego.

*1979, Poland

StillStand, 2019
158 x 98 x 175 cm
Marble, bronze
Courtesy of WK Archipel Collection

1941-2009, UK

Birdbath
1999
Bronze
158 x 112 x 112 cm
Courtesy of the Barry Flanagan Estate
and Von Bartha

*1970, USA

Ouranos
2023
Irish anthracite limestone
407 x 88 x 146 cm (h)
Courtesy of the artist

Cette nouvelle œuvre, à la fois sculpture et pièce fonctionnelle, témoigne de l’intérêt de Philippe Cramer pour l’art placé en extérieur.
La simplicité du geste, rappelant des pictogrammes ancestraux d’origine calligraphique, est sublimée grâce à la prouesse technique du façonnage de la pierre. L’artiste aime suggérer l’idée que la pierre de calcaire, figée depuis des millénaires, semble avoir été courbée sous l’effet d’une force supérieure. Philippe Cramer souhaite en outre offrir une invitation à interagir avec son œuvre. Le public est ainsi libre de s’allonger sur la pièce, adossé au galbe intérieur de la boucle, et profiter d’un face-à-face dans l’esprit d’une « conversation », meuble favorisant l’intimité et amplement utilisé durant le second empire.

*1970, Switzerland

Sad and worried animals / Bear
2020
Cantera pinion stone, ceramic eyes
80 x 65 x 56 cm (sculpture)
30.5 x 63.5 x 63.5 (pedestal)
Courtesy of the artist and Von Bartha

*1970, France

Banc Jaune
2022
Aluminium, stainless steel, powder-coated RAL 1021
184 x 400 x 156 cm
Courtesy of the artist and lange + pult

L’œuvre de l’artiste français Lilian Bourgeat (*1970) se caractérise par une recherche constante du jeu : L’artiste apporte une pincée d’humour subtil dans notre vie quotidienne en agrandissant des objets du quotidien. Ses objets surdimensionnés attirent le spectateur par leur aspect ludique et en même temps l’embrouillent par leur échelle énorme. Un banc de parc, un objet non accrocheur mais fonctionnel, souvent vu dans notre ville et nos paysages, se transforme soudain en monument.

L’œuvre Banc public (2009-2018) surdimensionné de 2,5 fois l’original est un objet de notre quotidien, qui rythme habituellement les espaces publics. Intégré dans l’espace public, il provoque l’interaction entre l’objet, le paysage et le spectateur. Ce dernier peut devenir acteur en s’asseyant sur la banquette, qui demande un effort et réactive tous les sens, et en assumant ainsi la fonctionnalité de l’objet. Assis sur le banc, on a un autre point de vue sur le paysage, la perception du paysage nous semble différente, car l’emplacement et l’orientation de la rive orientent le regard vers le monde réel et en même temps encouragent la réflexion sur la situation artistique créée. D’autre part cela permet à la sculpture de disparaitre dans le paysage, de loin, on n’a pas l’impression qu’il est agrandi et peut passer donc inaperçu dans l’espace public.

*1985, France

Yet to Be Titled, 2018
Acier
120 × 130 × 40 cm
Private collection

Neil Beloufa est une artiste franco-algérienne dont les video, les sculptures et les installations de l’artiste s’interessent à la société actuelle imprégnée de technologie numérique, à ses systèmes de valeurs et à ses stratégies de représentation. Son langage artistique révèle des superpositions poétiques de réalité et de fiction sur des sujets d'actualité allant des relations de pouvoir, de la surveillance numérique et des
idéologies nationalistes aux questions d'identité, de conscience environnementale et de compréhension le du monde. Ce faisant, Beloufa fait référence à l’esthétique des jeux vidéo, de la télé-réalité et de la propagande politique, utilisant ainsi le vocabulaire de l’ère de l’information pour créer des œuvres
complexes et précises qui invitent à repenser les croyances et les stéréotypes. L’artiste négocie les
questions de cause et d’effet, de l’existence et de l’absence, l’interprétation de celles-ci, dans diverses matérialités qui intègrent souvent des composants technologiques.

*1954, Uruguay

Estrella de Luz, 2022
123 x 29 x 200 cm
Bronze
Courtesy of Tornabuoni Art

Un artiste de renom dans la sculpture contemporaine, Pablo Atchugarry est célèbre pour sa
maîtrise du marbre et pour sa passion pour le volume, la matière et la couleur, une passion
qui lui est venue après de nombreux voyages en Europe à la fin des années 1970.

Les sculptures en bronze de Atchugarry sont caractérisées par des formes plus dilatées et
une utilisation de couleurs primaires. Bien que les formes soient moins organiques, il y a
toujours un élément naturel dans les vibrations représentées, qui synthétisent les arbres, les
vagues de la mer, la nature qui est sculptée. En outre, l’utilisation du bronze permet une plus
grande gamme de couleurs, qui ne sont pas naturelles, et des formes plus larges. Par
ailleurs, le rouge est la couleur vive qu’il a utilisée pour la première fois, un rouge « Ferrari »
pour une sculpture en bronze exposée à Paris il y a quelques années.

Le dialogue entre le bronze et les couleurs d’Atchugarry, qui sont normalement utilisées
dans l’industrie automobile, est un aspect de design particulièrement marqué qui joue
également un rôle de liaison entre une technique de sculpture très ancienne et les couleurs
contemporaines qui nous entourent aujourd’hui.

Un autre aspect de l’analyse des œuvres d’Atchugarry est la relation entre la sculpture et le
monde extérieur. Ses sculptures, en particulier en bronze, sont conçues pour résister dans
le même contexte sur une longue durée. Dans ce cas, les proportions de l’œuvre ont une
influence majeure, car elles doivent être adaptées pour établir un dialogue avec le contexte
dans lequel l’œuvre est présentée.

L’œuvre actuellement exposée à Crans-Montana est donc le fruit de ses expérimentations
plus récentes, raison pour laquelle elle est présentée à la Biennale, où il est question de des
nouvelles composantes et expériences de travail, ainsi que des recherches récentes de
l’artiste.